I ragazzi de La Pajeta portano al Teatro Camploy un noir irriverente e fuori dagli schemi per la regia di Andrea De Manincor.

“Uno dei lavori più belli presentati nell’estate amatoriale”. Così la critica ha accolto Hotel-ma, prima opera originale sceneggiata dai ragazzi de La Pajeta, sotto le mentite spoglie dell’autore Paul Putcho. Successo anche e soprattutto di pubblico che ha portato numerosi spettatori ad affollare Chiostro Santa Eufemia durante le cinque serate della rassegna Teatro nei Cortili.

Per coloro che quest’estate se lo fossero perso, la Pajeta riporterà in scena le indagini del Sommo Hotello al Teatro Camploy il 7 gennaio alle ore 21.00 e l’8 gennaio con la pomeridiana delle 16.30.

Abbandonate le precedenti ambientazioni borghesi della Parigi di Lesage, lo spettatore si troverà in un diverso tipo di salotto, quello di un alberghetto senza arte né parte, l’Hotel-ma appunto, nascosto tra le calli di una Venezia che si intravede appena, per assistere a un misterioso delitto.
Chi ha assassinato la povera Desdemona, cuoca alle dipendenze del proprietario Hotello?

Starà al concierge Jago trovare il colpevole con l’aiuto dell’amico investigatore privato, William.
La scelta dei nomi non è casuale, ma ha l’intento preciso di portare in scena i grandi personaggi della letteratura shakespeariana vestendoli con dei panni mai visti.
I sospettati altri non sono che i più celeberrimi protagonisti delle opere del Bardo, ospiti dell’albergo e dell’equivoco proprietario.
Si scoprirà ben presto che molte cose non sono come appaiono e che ognuno di loro nasconde un terribile segreto…
Giulietta e Romeo, la bisbetica Catherine, Amleto e molti altri, non sono esattamente come li ricordiamo, ma il surreale e divertente risultato che l’interpretazione de La Pajeta ha prodotto, capovolgendo le più tradizionali chiavi di lettura. Come del resto avevamo già visto fare con Lesage e Courteline nei precedenti spettacoli.

Ancora una volta diretta da Andrea De Manincor, che ha guidato i giovani scrittori nella stesura del testo, La Pajeta si prepara al ritorno sulle tavole del palcoscenico del Camploy con uno spettacolo originale, divertente e dal finale inaspettato.

Per ulteriori informazioni sulla compagnia e sullo spettacolo potete visitare il sito www.lapajeta.it o, in alternativa, scrivere all’indirizzo e-mail

La Balera inizia nel silenzio. Il barman e la guardarobiera, uno per volta, preparano il locale all'apertura. L'impressione che abbiamo ricevuto dalla scena iniziale è stata di eccessiva lunghezza e staticità, impressione sostenuta anche dalla mancanza di battute da parte degli attori. Una prima conferma dei nostri timori, peraltro pregiudiziali, dunque.
Anche l'ingresso dei primi clienti della Balera ha inizialmente un ritmo lento, che però prende vigore mentre sfilano uno per uno davanti al pubblico, in una sorta di presentazione muta. L'espediente dello specchio immaginario sulla quarta parete per descrivere agli spettatori i caratteri essenziali dei personaggi, è stato l'elemento più vivace di questo prologo forse troppo lungo.

A questo punto però lo spettacolo prende decisamente un ritmo più piacevole, scandito dalla colonna sonora e dalle microstorie che avvengono sul palcoscenico, una dopo l'altra. Una vera e propria galleria in cui due fili conduttori s'intrecciano per mantenere viva la tensione narrativa. Da un lato, la successione dei costumi, delle musiche e dei rapporti tra ia personaggi raccontano in filigrana una evoluzione della società italiana nel corso del '900. Su un altro livello narrativo, invece, assistiamo alle storie individuali drammatizzate dagli attori.

La messa in scena dello spettacolo ci è parsa impeccabile. La composizione dei quadri, la scelta delle musiche, la sincronia col movimento degli attori e le coreografie molto ben curate hanno dato chiaramente la percezione di un accuratissimo lavoro registico. Possiamo tranquillamente sorvolare su alcune minime sbavature che probabilmente il pubblico ha subito dimenticato, seppure le ha notate. Da segnalare la presenza in scena, per buona parte dello spettacolo, di alcuni musicisti, cosa alquanto rara nelle compagnie amatoriali veronesi (solo il Gruppo Popolare Contrade, di Settimo di Pescantina, a quanto ne sappiamo, ha da sempre musicisti dal vivo in organico nei propri allestimenti).
La scenografia è apparentemente essenziale e curata nei dettagli, mentre i cambi scena sono affidati solo parzialmente all'illuminazione ed in misura più consistente agli apporti ed alle sottrazioni di elementi da parte degli stessi attori. Non possiamo tralasciare di menzionare i costumi ed il trucco degli attori, elementi che hanno contribuito in modo non secondario alla lettura del periodo storico da parte degli spettatori in uno spettacolo completamente privo di battute.

Siamo arrivati al punto. Gli attori svolgono i loro movimenti scenici senza emettere alcun suono. La mimica viene usata, certo, ma senza che sia richiesta una particolare intensità espressiva, se non in rari casi. Una scelta, questa, per cui possiamo accettare di usare il termine "sperimentale". E possiamo anche, visto il risultato ottenuto e l'evidente apprezzamento del pubblico, considerare riuscito l'esperimento. Tuttavia ci pare che questo spettacolo sia adatto a mettere in risalto soprattutto la qualità della regia, e che non lasci granché spazio alla capacità espressiva degli attori, eccessivamente ingabbiati da una struttura fortemente ancorata alla colonna sonora e inoltre privati dell'uso della voce.

Rispondiamo dunque alla domanda iniziale. La serata è trascorsa meglio di come ci aspettassimo. Lo spettacolo è tecnicamente riuscito e gli spettatori hanno visibilmente gradito (i commenti che abbiamo raccolto al termine non lasciano dubbi in proposito). Tuttavia manteniamo tutte le nostre riserve riguardo questo tipo di allestimento, soprattutto per quanto concerne la libertà espressiva degli attori che qui ci pare forzatamente livellata (verso il basso?). Unico personaggio ad emergere è – a nostro parere, non a caso – quello del barista, presente in modo costante per tutto lo spettacolo, interpretato dal regista Bronzato con alcuni elementi che ricordano certi silenziosi "burattinai" nichettiani.

Una buona dimostrazione di bravura da parte della compagnia Estravagario, questo è il dato oggettivo. Ma la nostra personale impressione è stata quella di un lungo prologo senza recitazione.

 Ieri sera è andata in scena l’ultima replica de Le donne a parlamento, spettacolo presentato dalla compagnia Giorgio Totola. Noi eravamo lì, pronti a rilevare ogni minimo difetto, per questa prima recensione del nuovo VeronaTeatro.Org 2.0.

Il testo e l’adattamento.

Scegliere un testo classico per le serate estive nei cortili non sempre è una buona idea. Bisogna essere in grado di adattarlo alla sensibilità di un pubblico che, in buona parte, viene a cercare una risata facile, senza pensieri. Nel caso de Le donne a parlamento, l’esperimento di Massimo Totola, regista e autore dell’adattamento, è pienamente riuscito.

Di per sé la commedia scritta venticinque secoli fa da un Aristofane già sessantenne mantiene da sola una sua solidità senza tempo sia nella struttura comica che nei temi politici e sociali affrontati. Una rinfrescata al linguaggio (in realtà, qui si tratta di una consistente riscrittura e riduzione) ed è fatta: ecco un testo satirico fresco ed attualissimo. Certo, l’ateniese Aristofane con quel curioso slogan del “tutto in comune” non mirava di sicuro al comunismo, ma al peculiare regime di governo di Sparta, rivale storica di Atene, da prendere in giro per il sommo divertimento dei suoi concittadini. Ma la coincidenza ed il conseguente equivoco contribuiscono a mantenere giovane quest’opera.

Promuoviamo l’adattamento di Totola a pieni voti, ma non saremmo buoni critici se risparmiassimo di criticare i dettagli che ci paiono meno riusciti.
Cominciamo dal prologo, tecnicamente un dialogo tra due semicori, in verità un testo tratto dalle Operette morali di Giacomo Leopardi (il Dialogo di un cavallo e un bue), che risulta eccessivamente lungo e statico, al punto da mettere a dura prova l’attenzione del pubblico più volenteroso.
Altrettanto si potrebbe dire del dialogo a più voci tra le donne travestite da uomini che viene subito dopo, se non fosse per il movimento scenografico più vivace ed il gioco di toni della recitazione sufficientemente vario da guidare lo spettatore attraverso lo sviluppo dei concetti espressi. Si seguono senza fatica – persino con divertimento – anche i monologhi delle attrici, molto brave e precise nella dizione delle battute.

Un elemento che non abbiamo gradito è stato il monologo finale del primo atto. È stato, sì, divertente e ben recitato, ma vi abbiamo scorto – e non siamo stati gli unici – una semplice giustapposizione di battute provenienti dal cabaret e già abbondantemente sentite altrove. La cosa assume un carattere spiacevole soprattutto per chi come noi segue da vicino, oltre al teatro, anche il lavoro dei cabarettisti, che vivono questo tipo di “riuso” come un grave sgarbo, quasi un furto.
Anche il monologo di Ermete all’inizio del secondo atto appare come un intermezzo cabarettistico, ma questa volta si percepisce una maggiore integrazione nel testo. L’effetto “corpo estraneo” è qui poco più che una sensazione soggettiva.

Dobbiamo infine segnalare una vaga impressione generale di frammentarietà nella successione delle scene. Impressione generata inevitabilmente, a nostro parere, dal lavoro di riduzione svolto sul testo. Una scelta corretta e consapevole, quindi, e non un difetto.

Gli attori e la regia.

Non abbiamo assistito alla prima ed arriviamo dopo una decina di repliche che di sicuro hanno giovato alle prestazioni degli attori.  Detto (ehm, scritto) questo, non abbiamo rilevato incertezze nella recitazione di ciascun attore. Qualche sbavatura c’è stata, certo, ma si tratta di quelle contingenze irrilevanti che si vedono in tutti gli spettacoli teatrali, compresi quelli delle compagnie professioniste. Insomma quei dettagli che fanno preferire il teatro al cinema.

Tra le eccellenze da sottolineare ci mettiamo la recitazione dei monologhi sparsi per tutto il testo, resi ottimamente da tutti gli attori e le attrici che vi si sono cimentati. Non abbiamo notato l’emergere di un personaggio rispetto agli altri, ma si tratta di un appiattimento verso l’alto del livello qualitativo. A noi sono piaciuti di più  Diana, Zoe ed Ermete (rispettivamente interpretati da Jessica Rollo, Ottavia Bergamini e Claudio Neri) ma le nostre preferenze si fondano più sul gusto personale che su altri oggettivi elementi.

Vale la pena spendere qualche parola sulla cura della dizione italiana mostrata dalle attrici, elemento basilare ma che non sempre i registi degnano di sufficiente attenzione.
Abbiamo scritto delle attrici. Qualche dubbio sulle flessioni della pronuncia di Theophilus (Otello Visentini) e Zotihos (Fernando Bustaggi) ci è rimasto. Supponiamo che ci fosse una precisa scelta registica dietro l’improbabile camuffamento della voce di Theophilus con una raucedine che suona palesemente finta e per nulla naturale. Di sicuro le battute mostravano un certo affanno nel mantenere una corretta dizione sotto quello sforzo aggiuntivo. Anche il personaggio di Zotihos denunciava qualche flessione regionale di troppo nel suo eloquio, ma la recitazione energica e la voce più libera da costrizioni hanno permesso una maggiore varietà espressiva.

Ignoriamo per questi due casi quanto l’indulgenza verso l’accentuazione localistica sia stata una scelta, di certo lo è stata nel caso di Ermete che ha recitato sempre in un italiano-romanesco molto preciso che non può certo essere frutto del caso. L’esito è stato sicuramente molto positivo per lo spettacolo, anche se siamo tutt’ora incerti sull’opportunità dell’associare la parlata romana ad un personaggio che, almeno nelle intenzioni, era pur sempre un greco.

Molto ben riuscito l’inserimento dei due intermezzi musicali. Aristofane aveva effettivamente introdotto ne Le donne al parlamento questa novità modificando l’uso tradizionale del coro per adeguarsi al gusto del pubblico che, ormai all’alba del IV secolo p.e.v.¹ , stava cambiando. Tornando a noi, Roberta Adami/Athena ha interpretato alla perfezione il ruolo di cantante, così come Fernando Bustaggi e Claudio Neri quello dei musici.

Un accenno finale alla scena, scarna e funzionale ma che non rinuncia per questo ad un notevole impatto scenografico. Ci è piaciuta la scelta cromatica in bianco (con poche, ci pare significative, eccezioni) dei costumi, accordata agli elementi ed agli oggetti di scena, che permetteva di giocare in modo discreto ma aprezzabile, con luci ed ombre.

Ci sembra di non aver tralasciato nulla di importante. A noi questo spettacolo è piaciuto. Sono ovviamente bene accetti commenti di segno diverso.

1. prima dell’era volgare, v. http://it.wikipedia.org/wiki/Era_volgare

In una notte come tante, un corpo si muove vorticosamente in uno spazio vuoto fino allo stordimento, fino alla debolezza estrema che abbandona il corpo nelle mani degli altri, alla ricerca di un’ultima, estrema forma di comunicazione. Il corpo e lo spazio quindi, le parole dette o non dette capaci di condannare o liberare un’esistenza dal senso d’angoscia e da quello di inadeguatezza. In altre parole, lo spettacolo mette in scena un’ipotetica scomparsa dietro uno specchio che rimanda solo le immagini che gli altri vogliono vedere. E lo fa traducendo in immagini forti ed emozionanti il desiderio e l’impossibilità di comunicare, l’amarezza e la bellezza, il dolore, la voglia di combattere…
Un linguaggio doloroso che riguarda tutti e che in alcuni casi prende di mira il cibo. Ma non si tratta di fame o non fame: è l’impossibilità di essere se stessi che può condurre un essere umano a scegliere, pur non volendo, l’annullamento. Non a caso, nello spettacolo la parola anoressia non viene mai citata.

Teatro Filippini Vicolo Dietro Campanile Filippini 1, Verona
Biglietti 6/8 euro. Acquisto online dal sito www.fondazioneaida.it
Informazioni: Fondazione Aida tel. 0458001471 / 045 595284 – fondazione@f-aida.it

This post was submitted by Fondazione Aida.

Fino al 15 ottobre tutti gli interessati potranno iscriversi ai corsi e laboratori annuali di teatro che inizieranno a novembre presso il Laboratorio Filippini (per gli adulti) e il Laboratorio Passalacqua (per i bambini e ragazzi) tenuti da attori e registi di Fondazione Aida, ente accredito dal Ministero per le attività culturali e dalla Regione per la formazione degli insegnanti.

In questa scuola le proposte per gli adulti si suddividono nel laboratorio teatrale di I° livello, coordinato da Catia Pongiluppi per tutti coloro che non hanno esperienza nel settore ed intendono conoscerne le caratteristiche (18 incontri di due ore ciascuno) e nel laboratorio permanente di formazione dell’attore della durata biennale coordinato da Nevio Gambula. Quest’ultima proposta si articola in due corsi annuali: il primo ha l’obiettivo di approfondire la conoscenza del linguaggio teatrale, affrontando i diversi elementi connotanti lo stare in scena (25 incontri di 3 ore ciascuno a partire dal 9 novembre), il secondo si pone l’obiettivo di formare attori da inserire nel circuito teatrale professionale (125 ore complessive con inizio l’8 novembre).

La proposta formativa pensata per bambini e ragazzi si articola invece in tre corsi pomeridiani: “la magia del teatro” e “il sipario si alza!” curati da Antonella Carli e divisi per fascia d’età (6/9 anni il primo e 10/12 il secondo) con l’obiettivo di avvicinare i partecipanti al “mondo del teatro” fondato su relazioni, regole e piccole magie. Musical è invece coordinato da Irene Hosberg e si rivolge a bambini/ragazzi con precedenti esperienze di avvicinamento al teatro; durante il corso il gruppo lavorerà con la danza, la recitazione e il canto per arrivare a realizzare una messa in scena finale (15 incontri).
I corsi per i ragazzi saranno presentati agli interessati mercoledì 6 ottobre alle ore 17.00 in un incontro presso il Laboratorio Teatrale Passalacqua (Via Luigi Bonomi, VR).

Tutti i partecipanti ai corsi riceveranno un biglietto omaggio per le rassegne del Teatro Filippini “Famiglie a teatro” e “Attoterzo”.
Scadenze ed iscrizioni: Le domande d’iscrizione andranno inviate presso gli uffici di Fondazione Aida (tel 045/8001471) entro venerdì 15 ottobre 2010 via mail a formazione@f-aida.it o via fax allo 045.8009850. Dopo questa data sarà possibile accogliere altri iscritti, previa disponibilità dei posti.

Per informazioni:
Fondazione Aida / Ufficio Formazione
Tel. 045 8001471-045 595284 – fax +39 045 8009850
e-mail: formazione@f-aida.it – www.fondazioneaida.it

This post was submitted by Fondazione Aida.

Pausa estiva (foto Aleks)

Agosto è finito, e la stagione autunnale è già alle porte. E sarà una stagione di lavoro per noi di VeronaTeatro.Org. Stiamo preparando infatti una serie di novità per rendere questo progetto sempre più utile alle compagnie ed agli operatori del teatro amatoriale veronese.

Ma prima, un piccolo riassunto degli ultimi eventi.

1. Informazione teatrale: Contrade News

Come qualcuno avrà già notato, è andata sempre più consolidandosi la collaborazione tra VeronaTeatro.Org ed il Gruppo Popolare Contrade di Settimo di Pescantina, il cui sostegno morale e materiale è stato sin qui insostituibile. Frutto importante di questa collaborazione è il bollettino elettronico “Contrade News“, una newsletter con l’ambizione di andare oltre il semplice aggiornamento sulle attività della compagnia. Vogliamo parlare di teatro, quello dei volontari dello spettacolo, quello fatto solo per passione. Il nostro teatro, insomma.

La newsletter è già arrivata al secondo invio. Gran parte delle compagnie teatrali della provincia di Verona l’hanno già ricevuta. L’iscrizione è aperta a tutti, gratuitamente, a questa pagina. Unica informazione richiesta è un indirizzo e-mail valido cui inviare il bollettino. Anche la partecipazione con racconti, opinioni, articoli o segnalazioni è aperta a tutti. Basta inviare a VeronaTeatro.Org ciò che vorreste fosse inserito nella prossima newsletter.

2. Recensioni per crescere

I lettori più attenti si saranno accorti di alcuni cambiamenti. La frequenza con cui vengono pubblicati articoli è scesa, a vantaggio della qualità. Nei primi mesi di attività del sito, abbiamo puntato quasi esclusivamente ad un lavoro di aggregazione di notizie provenienti da fonti diverse. La necessità primaria era quella di testare la fruibilità del sito e correggere alcuni malfunzionamenti e difetti di gioventù.

Negli ultimi mesi, invece, le recensioni del CriticAttore hanno avvicinato VeronaTeatro.Org all’attività delle nostre compagnie amatoriali con lo strumento delle recensioni. Una critica severa, ma onesta e costruttiva, proveniente da chi nel teatro amatoriale ci si trova ormai da molti anni. Una critica non fine a se stessa, che ha lo scopo di stimolare il movimento teatrale a migliorare se stesso.

Per ora è una voce sola. Ma contiamo sull’arrivo di critici altrettanto preparati ed appassionati… e tu che stai leggendo, hai mai pensato di recensire quello spettacolo che ti ha tanto divertito? Oppure di spiegare perché quell’altro spettacolo non t’è piaciuto per niente? E perché non smetti di pensare e lo fai? Qui troverai spazio per comunicare le tue opinioni.

Prima dello spettacolo (foto Aleks)

3. Le prossime novità

E veniamo alle novità.

C’è in programma nei prossimi mesi un cambio di piattaforma hosting. In termini più semplici, ci sposteremo materialmente su un nuovo server. Lo scopo è usufruire di servizi più professionali, cosa che ci permetterà di sviluppare a nostra volta nuove funzionalità per il progetto VeronaTeatro.Org. Nel momento in cui avverrà il trasferimento, il sito potrebbe risultare non raggiungibile per qualche ora.

Prima di procedere a questa operazione, però, dovremo concludere lo sviluppo della nuova versione del sito cui stiamo già lavorando. Le novità saranno innanzitutto estetiche, con qualche ritocco all’interfaccia ed un nuovo tema grafico. Anche dietro la facciata, tuttavia, troverete qualcosa di nuovo. Vogliamo offrire infatti alle compagnie, ai teatri, agli autori, agli attori ed a tutti gli appassionati la possibilità di aprire blog tematici sul teatro e sullo spettacolo amatoriale che saranno ospitati da VeronaTeatro.Org.

Altro progetto, la cui realizzazione richiederà presumibilmente più tempo, è quello di una biblioteca teatrale che oltre a raccogliere e rendere disponibili i testi, indicizzi le risorse disponibili in rete grazie ad accordi con le analoghe iniziative già avviate, in modo da facilitare la ricerca dei copioni.

Il tutto continuerà ad essere completamente gratuito grazie al lavoro volontario dei nostri collaboratori.

4. Chi paga per tutto questo?

Il mantenimento del sito ha tuttavia pur sempre dei costi fissi cui dobbiamo far fronte. A cominciare dai canoni annuali per la registrazione dei domini e per l’affitto dello spazio server. Ecco perché sulle pagine di VeronaTeatro.Org trovate inserzioni pubblicitarie.

I proventi coprono attualmente soltanto una minima parte delle spese vive. Senza considerare il tempo e le risorse (connessione, elettricità, caffè…) che i collaboratori spendono per il loro contributo volontario. Noi continuiamo a coprire di tasca nostra la differenza perché crediamo fortemente in questo progetto. Ci sembra giusto, però, cercare di rendere autosufficiente il sito. Per questo le inserzioni aumenteranno di numero. Predisporremo inoltre un meccanismo sicuro che consenta microdonazioni via PayPal (a partire da 0,50-1€). Così, chiunque ritenga utile l’esistenza di VeronaTeatro.Org, potrà manifestare il proprio sostegno in modo più concreto.